Rideau 140X140, Paul Carey Kent London Galerie sélectionne pendant la Frieze Week 2015

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RIDEAU 140X140 – Image via www.sangiaodichdiaochungthinh.com

Rideau 140X140, Paul Carey Kent London Galerie sélectionne pendant la Frieze Week 2015 – Simon Callery présente deux types de peintures qui, bien qu’elles puissent être classées comme «plates», constituent un espace intérieur considérable. Le pli de la galerie FOLD provient de 125 mètres de toile pliée pour former les 75 kg de Wallspine (feuille), 2015. Les trois autres grands travaux sont des stratifications stratigraphiques construites sur les sites archéologiques qui les ont inspirées, leurs tons terreux considérablement altérés par la nécessité pratique d’être laissés de côté pendant les mois de leur formation sur les forts des collines galloises. Les trous laissés dans leurs vides internes sont dérivés des emplacements et des formes des artefacts trouvés, mais permettent, avec la coupe et le recousuage, d’exposer de manière convaincante le processus et les travaux d’excavation de la peinture.

Tenant de l’inspiration archéologique, cette rétrospective zappy de Frank Stella inclut des sculptures murales nommées d’après des sites clés de l’Anatolie ancienne: Stella a jeté des éléments trouvés dans un bac à sable, coulé dans de l’aluminium et agité au goût. Il s’agit d’une série du début des années 80 montée sur des anneaux qui permettent exceptionnellement de les faire pivoter de manière à pouvoir les afficher de manière stable sous n’importe quel angle. A part cela, Bernard Jacobson profite de son nouvel espace pour présenter le panneau 7 de Michael Kohlhass, carré de 4,26 m, et la séquence enchaînée de sept toiles Die Marquise von O… qui, avec plus de 13 m de large, est facilement la plus grande mètres (c’est-à-dire jusqu’à ce que vous arriviez à Ai Wei Wei à la Royal Academy).

Brillant avec cette Stella, l’artiste de Los Angeles, Joel Kyack, a le goût de dresser des records du monde localisés, se moquant du Guinness Book (qu’il aurait ensuite jeté plus loin que quiconque, mais sans reconnaissance officielle). Le lieu de travail de Gateshead, en tant qu’avant-poste supra-local à Londres, présente actuellement les sculptures de Kyack, telles qu’un ballon en spirale sans fin et une fontaine du monde arrosée d’eau purulente, qui associe création et miction, ainsi que 10 nouveaux exemples de peintures plutôt imposantes d’Eric Bainbridge son matériau de signature de tissu de fourrure synthétique. Il m’a dit que cette production – moins connue que ses sculptures de fourrure – agaçait plutôt les peintres, ce qui les rend d’autant plus amusants à créer.

Au terme de trente années de travail mettant en avant nos idées préconçues personnelles et sociales, Gerard Williams présente trente tablettes en contreplaqué de bouleau à double face. Des petites fenêtres sont découpées sur chaque face pour mettre en évidence les détails de deux ou trois billets inclus. Cette collision économique de l’art et de la valeur pourrait demander si, comme Dave Hickey l’a dit, art et argent sont des fictions culturelles parallèles – basées sur des démonstrations de confiance – qui n’ont aucune valeur intrinsèque. Si telle est la question, l’une des réponses pourrait être l’intérêt esthétique qui consiste à révéler des fragments d’images évocateurs tout en transformant les tableaux en arrangements abstraits convaincants.

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Les trois espaces de réunion potentiels de la vaste et bien reçue ICA de Prem Sahib montrent que chacun crée une atmosphère clinique, mais intense, et il en existe un quatrième à sa galerie à un kilomètre au nord: Southard Reid est embarqué comme pour suggérer une occupation non officielle. Un néon en décoloration, le même nom, END UP, oscille entre une fermeture et un but. À l’intérieur, vous vous trouvez dans des vestiaires dotés de bancs, de magazines de la scène gay et de nouveaux objets à travers lesquels Sahib peut appliquer sa marque de minimalisme sensuel: plusieurs rouleaux d’essuie-tout en caoutchouc.

Il y a 10 ans que Aberdonian, Neil Gall, montrait un solo à Londres: il peignait toujours à partir de photographies des modèles qu’il construisait de studio bric-à-brac, mais ses sources sont devenues moins sculpturales. Les visages de ces modèles, qui se confondent dans les types caricaturaux grâce à un savant mélange de stratégie et d’accident, envahissent l’espace du spectateur avec une intensité aplatie-rapprochée. Cela est renforcé par l’utilisation inégale du vernis Gall, qui ressemble à de la peinture, qui scintille sensuellement. Le titre ‘Arrange your face’ reprend l’aspect arcimboldoesque, mais est aussi une expression courante à Wolf Hall: cela va particulièrement bien avec la paire contrastée de ‘Nightwatch’ et ‘Cut-Out’, car cette dernière est une version vide de l’espace de tête des anciens, rappelant le fracas iconoclaste de la Réforme.

Ce spectacle inhabituel présente l’histoire de la pratique de l’affichage à la mouche de Mustafa Hulusi, un Chypriote turc basé à Londres, en commençant par les déclamations de la fin des années 90 de son nom étrangement inconnu puis inconnu, en le fusionnant avec des effets disco pour confondre davantage de catégories graffiti / design divise. L’année 2005 a vu le début de ce qui est devenu sa signature graphique, le «expandeur», qui suggère des états de conscience plus élevés, qu’ils soient esthétiques – comme lorsqu’ils sont associés à des fleurs – ou autrement. Ils étaient assez populaires pour rester sur les sites londoniens bien au-delà des quelques semaines prévues. Plus récemment, les excès sensuels des grenades géantes et l’image au sol levantine d’oliviers noueux ont pris le devant de la scène. Outre des affiches accrochées au mur, nous obtenons un diaporama de documentaires et une large feuille d’images supplémentaires.

Ugo Rondinone n’est pas du genre à faire les choses à moitié, et ce spectacle élémental air-eau-pierre / naturel-romantique-existentiel ne fait pas exception. Sur la toile de fond d’une douzaine de peintures nuageuses éthérées qui façonnent un ciel méditatif en limites supérieures de cumulus, l’artiste suisse basée à New York place 33 “montagnes” composées de 3 à 6 rochers empilés verticalement sur des socles en béton, essentiellement abstraits et parfois suggérant des figures ainsi que le paysage. Ils sont peints dans des couleurs incroyablement intenses de Day-Glo, de sorte que l’ensemble bénéficie du plus grand facteur époustouflant des galeries londoniennes. Les cascades se démarquent de cela: des cascades en aluminium gracieux qui ressemblent davantage à des tours de corde indiennes.

C’est difficile – dit modestement son conservateur * – de ne pas recommander ce quinconce parfaitement sculpté de James Hopkins, qui réconcilient des opposés ou créent un paradoxe. Ainsi, une flamme brûle dans l’eau, une pierre monte une échelle ou plane dans les airs, le noir devient blanc et le mot “miroir” reste le mot “miroir”, même s’il est reflété dans “le miroir du miroir”. C’est donc l’ensemble des illusions – le tout avec des indications de ce qui se cache au-delà des apparences, de la nature de la réalité à l’ombre de la mort jusqu’à la possibilité d’une vie après la mort. De plus, «Out of the Living» à Supplement Gallery, qui se trouve juste à côté de Union, vaut également le détour.

Cette étude à la fois économique et large des années clés du développement de Judy Chicago la voit émerger comme un contrebalancé par l’absolu au début des années soixante à Los Angeles (avec des études pour les peintures du capot de la voiture, exposées à la Tate Modern), puis se transformer en une attitude moins combative. abstraction avant de trouver son mojo en appliquant les leçons de couleur apprises à une série portant le nom du lien entre les peintres masculins et les insultes de copine. “Eh bien, je suis un con”, je suppose que Chicago dit dans ces images subtilement ornementales, “mais je vais être une star”. Elle a ensuite pris un autre tabou – récit – et s’apprend la peinture sur porcelaine (montrée dans une séquence de papillons de 1973 à 1974), et associe attitude et technique aux effets célèbres dans les 39 lieux de la Dinner Party, 1974-1979, représentée ici par des plaques de test et certains des éléments sculpturaux de la «déesse».

La Canadienne Moyra Davey, basée à New York, mêle harmonieusement ton et structure dans ses films et collages de photographies ayant transité par le système postal: le ton détendu, décontracté, intime, mais littéraire; la structure apparemment décousue et accidentelle est pourtant arrivée quelque part. Ici, le film la voit décoller du dernier film de Derek Jarman, Blue to blind blinds, Borges, process, Anne Sexton, les rideaux, Julia Kristeva et PJ Harvey, dans une demi-heure de méditation évocatrice. Les messages utilisent l’abstraction fonctionnelle du ruban adhésif pour colis, du pliage et des timbres pour rendre publique la circulation des particuliers: pause café, météo, anciennes recettes, la pensée que son chien déféquant se fait écho donnant naissance à la fois à la pose et à l’expulsion d’expulsion…

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